Instante decisivo

Siempre recordaremos el 2011.

2012-01-02T04:03:00.000-08:00

¡¡¡¡Pobre 2011!!!

Sarolta Bán

2011-12-19T23:40:00.000-08:00

Hablar de fotografía de ficción puede resultar una contradicción. Parece que todas las formas de expresión artística se pueden mover a gusto basculando entre lo que es y lo que podría ser excepto la fotografía. La cámara nos permite adoptar un punto de vista subjetivo: podemos interpretar lo que vemos pero siempre y cuando disparemos a cosas que realmente existen.

Sarolta Ban intenta comprometer este dogma con su "photo allegory", una forma de surrealismo comercial destilado de los cuadros de Magritte y Dalí. Aunque la originalidad de Sarolta Bán es aparente el efecto es logrado; nos recuerda a la atmósfera de El Principito. Foto tras foto vemos con un actitud de asombro casi infantil esta fantasía visual ingenuamente sofisticada.

http://saroltaban.com/

Covarrubias (con un apunte humano)

2011-08-30T11:07:00.000-07:00

Velázquez a 1/1000, f 5.3

2011-07-31T14:30:00.000-07:00

Paseando por el mercado barroco de Lerma veo en uno de los puestos un improvisado bodegón que al fotografiarlo se convierte sin querelo en un ¿Velázquez, Murillo, Vermeer? Se aceptan sugerencias.

Historia oculta de la fotografía.

2011-06-21T15:08:00.000-07:00

La historia se repite.

En una subasta de objetos sin valor un joven de unos treinta años adquiere varias cajas con rollos de negativos de una Hasselblad por unos pocos dólares. Cuando llega a casa el anónimo y desconocido comprador examina cuidadosamente su captura. Espera encontrar un compendio de fotos mas o menos insulso cuando descubre su tesoro al revelar uno de los negativos : la imagen casi flotante y onírica de una mujer que en medio de la noche se dirige a un descapotable vestida de fiesta le dice que el fotógrafo buscaba algo menos inmediato que lo cabría esperar en un álbum familiar.

Meses más tarde un empresario del mundo de la moda recibe un álbum de fotos como pago de un préstamo. Cuando alza la tapa se encuentra la imagen de un prisionero -posiblemente judío- en un campo de concentración en Minsk que con el rostro afilado por la hambruna clava su mirada como un latigazo incómodo que resume buena parte de la historia del siglo XX. Al pasar la página otra foto muestra una hilera de enfermeras realizando el saludo fascista mientras Hitler un tanto azorado pasa revista mirando a la cámara.

Estos son dos ejemplos de una historia de la fotografía anónima y latente que solo se manifiesta en casos fortuitos. El primero es el de la fotógrafa Vivian Maier que con todo derecho puede ser considerada una de las mejores "street photographer" del siglo XX. En el segundo -el autor sigue en el anonimato- la calidad de las imágenes nos dicen que el fotógrafo entendía perfectamente el kairos paradójico del poder.

La imagen fotográfica ha pasado de ser el resultado de un ejercicio estético mas o menos consciente a una forma internalizada de expresión casi automática: todos somos fotógrafos. La historia de la fotografía será el relato democrático por antonomasia.

Mas información:

http://vivianmaier.blogspot.com/

http://lens.blogs.nytimes.com/2011/06/21/mysteries-of-a-nazi-photo-album/?src=tptw

http://einestages.spiegel.de/static/topicalbumbackground/22941/das_raetsel_des_nazi_fotoalbums.html

Como está el país.

2011-06-18T13:43:00.000-07:00

Reiventando Logroño

2011-05-09T12:53:00.000-07:00

Street photography (Conjunción animal)

2011-04-19T01:40:00.000-07:00

Tambien en Tudela.

Con el móvil.

2011-04-17T01:41:00.000-07:00

La fotografía con el móvil se ha convertido en todo un fenómeno. http://www.iphoneography.com/ Aquí está mi granito de arena. (Tudela, casco antiguo). .

Reinventando Logroño

2011-03-12T12:43:00.000-08:00

Supongo que lo importante no es el qué se mira, sino cómo se mira.

Cristina García Rodero.

2010-12-21T15:04:00.000-08:00

Fotografiar a un país es entenderlo y entenderlo es fotografiarlo. Si esto es cierto podemos comprender lo que Robert Frank hizo con Estados Unidos y lo que Cristina García Rodero ha hecho con España.

A la fotógrafa se le ha permitido entrar en Eleusis, en un territorio que no es tanto religioso como mágico, antiteológico y exacerbadamente místico en el que las alucinaciones y los trances son colectivos. En sus fotos se objetiva un “Volkgeist” intenso y absurdo, solemne pero no silencioso, dado siempre al protagonismo y a la situación cómica.

Sus fotos contienen algo del ingenio malicioso de un niño aburrido y listo que juzga y juega con la realidad, pero también cierta atracción por el éxtasis y la desidentificación como esencia de todo lo ritual. Se trata de que el fotógrafo aproveche las ausencias del velo de maya.

Ramón Masats.

2010-09-04T09:00:00.001-07:00

Ramón Masats es el fotógrafo de la posguerra española, una época en la que la ausencia de coches en las calles y un nivel de pobreza y tipismo rancio garantizados por el régimen hacían de España un buen lugar para ejercitar el instinto fotográfico. Al observar las fotos de Masats los paralelismos con Cartier-Bresson (para él el gran maestro) son evidentes: su sentido de la forma, el ritmo visual de sus fotos y la inclusión del elemento humano provocan es sonrisa inmediata ante la inteligencia visual y sentimental del fotógrafo.

El sentido un tanto surrealista de Masats introduce la ironía y la sorpresa al reproducir a curas, castellanas viejas, toreros, guardias civiles, niños en la calle, buscando una forma de conciencia que evite la depresión y el nihilismo en una sociedad deprimida y silenciosamente desesperada. Conseguirlo es cuestión de variar el punto de vista haciendo de cada foto un alarde imaginativo y sutilmente subversivo hacia lo cotidiano.

Rastrear la obra de Masats por Internet es darse un auténtico festín.

8.5, La despoblación en Soria II.

2010-08-30T13:25:00.000-07:00

Segunda entrega (revoltijo)

Jeanloup Sieff

2010-07-28T12:13:00.000-07:00

La primera vez que vi una foto de Jeanloup Sieff sin conocerlo fue en un anuncio de ginebra de un suplemento dominical. La foto era su conocida "La casa negra, Nueva York. 1964". En esa foto el misterio (obviamente) es triple: a) el que crea el puentecillo de madera; b) el que sugiere los juncos suspendidos sobre la negrura; c) la silueta de la casa (que bien podría ser el domicilio de J. D. Salinger).

J Sieff conserva algo del eclecticismo del fotógrafo aficionado que forzosamente autodidácta se interesa por todas las categorías que su actividad le puede ofrecer: paisajes, retratos, desnudos, naturalezas muertas, reportaje, etc.

Sobre todo me llama la atención sus fotografías de paisajes . En ellas el gran angular comprime lo próximo y lo lejano para que la mirada recorra toda la foto simulando, tal vez, el paseo que nos gustaría dar por las subexpuestas praderas de Escocia, las húmedas y discretamente civilizadas costas de Normandía, o el suelo cuarteado del Valle de la Muerte en California

http://www.jeanloupsieff.com/

8.5, La despoblación en Soria.

2010-07-21T06:53:00.001-07:00

Hola a mis escasos lectores. Aquí os dejo un video con un proyecto que tengo entre manos. Espero vuestra opinión.

Felices vacaciones.

James Nachtwey

2010-07-01T11:34:00.000-07:00

http://www.jamesnachtwey.com

"¿Por qué fotografiar la guerra? ¿Es posible eliminar gracias a la fotografía un comportamiento humano que ha existido desde siempre? [...] Para mí la fuerza de la fotografía está en que llama a la humanidad. si la guerra niega la humanidad, la fotografía podría concebirse como algo opuesto a la guerra. Es un ingrediente muy potente en el antídoto contra la guerra."

Weegee

2010-06-05T07:48:00.000-07:00

Apolo y Dionisos, la luz y las sombras no son solo la planta noble y el sótano del espíritu humano. También las ciudades encierran esta dualidad. Si el París de Doisenau se contrapone a la noche de Brassai (sin que sus fotografías tengan significados completamente distintos) en el caso de Nueva York Weegee nos muestra con los fogonazos dionisiacos del flash de su cámara el lado oscuro de una ciudad pillada in fraganti.

La fotografía de Weegee es desvergonzadamente vouyerista e inintencionadamente artística. El público pide que el morbo y la curiosidad se sublimen en una imagen inofensiva que exima de toda responsabilidad al lector que accidentalmente la encuentra al ojear las páginas de una revista. Entre muchas cosas buscamos en la fotografía un catalogo visual de los siete pecados capitales, una especie de jardín de las delicias en el que reconocer los deslices, las contradicciones, las faltas del espíritu humano, es decir, nos permite disfrutar de una ración de sadismo bajo la apariencia de la buena conciencia. La fotografía de Weegee se recrea en lo indecoroso y sucio haciendo algo parecido a lo que hizo Diane Arbus, pero con más sentido del humor.

Walker Evans

2010-04-02T09:12:00.000-07:00

Walker Evans es un Flaubert de la fotografía. El propio fotógrafo señala su admiración por el escritor francés puesto que ambos comparten y parten de la vocación realista de su trabajo: "la no presencia del autor, la no-subjetividad. Esto se puede aplicar literalmente a la forma en la que quiero utilizar la cámara".

Como otros fotógrafos americanos de su generación Evans hace de sus fotos desilusionantes notas a pie de página del sueñó americano bajo una estética en la que el fotógrafo, como un perito o un topógrafo, se limita a registrar la miseria.

Tanto sus trabajos para la FSA (Farmer Security Administration) como en Let us now praise famous men divide el espacio en interiores y exteriores.

En su fotografía de interiores la pobreza es un mismo estado de las cosas y los espíritus, un problema moral para los sujetos y los objetos. Los suelos tarimados, las mecedoras, las estanterías y cada uno de sus objetos son la cosificación de un mismo sentimiento compartido por el motivo humano que aparece en la foto. Al igual que Flaubert Evans es un retratista de la escena.

Las fotografías de exteriores, estáticas, casi siempre de edificios, pequeños comercios, iglesias de madera, vallas publicitarias, etc, nos muestra que la civilización no es más que el intento por levantarse dos centímetros del soleado polvo del sur de Estados Unidos.

"Chim"

2010-01-31T13:39:00.000-08:00

La historia de Europa se podría narrar basándonos en las fotos de Capa, Cartier-Bresson y el otro gran magnumniano, David Seymour “Chim”.

David Seymour es un buen representante de una fotografía humanista que no renuncia ni a la verdad ni a la ternura, ni al dolor sin crueldad, ni a la sonrisa sin lucidez. “Children of Europe”, su trabajo sobre los efectos de la guerra en los niños es un documento que deja bien claro como los niños son la piel de la humanidad, el órgano más sensible en el que quedan grabados todos los estratos de la desolación y de la destrucción de la guerra.

La foto de Eleftería, una niña que en plena guerra civil griega disfruta de sus zapatos nuevos nos enseña que los niños son la no-guerra, el espíritu más fuerte en medio de la barbarie que nos permite concebir (y por supuesto, fotografiar) la esperanza.

Dorothea Lange

2010-01-26T08:28:00.000-08:00

Cada época tiene su Pietà y la nuestra se la debemos a Dorothea Lange. Su mujer migrante es un paradigma de tristeza, pobreza y desolación plasmado de tal modo que el resultado permite, casi subraya, cierta dignidad y nobleza. Lange, fotógrafa de la Gran Depresión, no solo nos conmueve con su foto, sino también con su relato.

“Vi y me acerqué a la famélica y desesperada madre como atraída por un imán. No recuerdo cómo expliqué mi presencia o mi cámara a ella, pero recuerdo que ella no me hizo preguntas. No le pedí su nombre o su historia. Ella me dijo su edad, que tenía 32 años. Me dijo que habían vivido de vegetales fríos de los alrededores y pájaros que los niños mataban. Acababa de vender las llantas de su coche para comprar alimentos. Ahí estaba sentada reposando en la tienda con sus niños abrazados a ella y parecía saber que mi fotografía podría ayudarla y entonces me “ayudó. Había una cierta equidad en esto."

William Eggleston

2010-01-18T14:17:00.000-08:00

¿Por qué William Eggleston sacó la foto de un techo rojo? Podemos encontrar la respuesta en un texto de Santo Tomás en el que, tras enumerar la integridad y la proporción como ingredientes de la belleza el Santo nos dice: “Finalmente claridad o esplendor: de hecho consideramos bellas las cosas de colores nítidos o resplandecientes”

La primera vez que se ven las fotos de William Eggleston estas no nos dicen nada. El motivo en sí no es significativo, la composición es prácticamente nula. Solo queda el color. Éste para Eggleston es un ingrediente estético que se explica por sí mismo, un mensaje puro y directo que desplaza los elementos tradicionales sobre los que ha girado la fotografía en blanco y negro al afianzarse la película en color en la fotografía artística.

Ya que el color es omnipresente toda la materia es relevante, todas las individualidades no son más que las piezas de una vidriera gigantesca y cósmica que siempre será interesante para el fotótografo independientemente del punto de vista que elija. La cámara (usando el título de uno de los trabajos de Eggleston) es “democratic camera”, es un instrumento transparente y pasivo que registra el aspecto rutilante, resplandeciente y noble que todas las cosas, hasta un almodovariano techo, acreditan.

Paul Strand.

2010-01-08T14:21:00.000-08:00

Las cosas encierran una lógica propia que las emparenta, una forma de armonía que el fotógrafo tiene que saber captar. Así la composición es la destreza para llenar bellamente el espacio. Este no es una entidad puramente formal sino que es un cuerpo vivo que encierra todo un universo de significados. Cualquier espacio es así una forma de paisaje.

Fotografiar la realidad implica redefinir los límites de cada objeto teniendo en cuenta que el fragmento (la perspectiva, el punto de vista) no supone un reduccionismo sino un descubrimiento. La fotografía es el último paraíso de lo particular.

Paul Strand muestra en cada una de las fotografías un dominio magistral de la composición. Gracias a ella todas las cosas son bellas, el mundo es un museo oculto por la indiferencia o el aburrimiento visual. Solo hace falta un poco de ingenio para saber ver.

Edward Steichen.

2009-12-22T13:48:00.000-08:00

En el empeño de que la fotografía se convirtiera en arte Steichen no contó con que sus imágenes provocaban una pregunta peculiar: “¿Pero son fotos?"

La textura del papel parecida a la del lienzo, la impresión de que sus fotos son dibujos al carbón, la creación de una atmósfera vaporosa en la que las líneas aparecen desdibujadas al más puro estilo impresionista, el hecho de que las copias aparezcan firmadas como si fueran pinturas lleva a desconfiar. Pero sí, son fotos.

Al reivindicar la fotografía como arte Steichen puso el acento en el carácter único e irrepetible que tiene toda obra de arte en un doble sentido: en primer lugar en su aspecto puramente numérico cada obra es un ejemplar único, y aquí la fotografía tiene que superar una dificultad relacionada con su propia esencia. Steichen lo consigue trabajando la copia de forma artesanal, añadiendo virados y veladuras para que se vea la huella de su creador de manera que cada foto es un acontecimiento. En segundo lugar, alejando a la fotografía de la mera reproducción pasiva de la realidad y convirtiéndola en un acontecimiento creador no de “imágenes de la realidad”, sino de “imágenes en la realidad”, es decir, nuevos sentidos paralelos y referidos al mundo pero que no son el mundo, un universo estético cerrado sobre sí mismo pero perfectamente comunicable.

Parezcan fotos o no, dejando de lado lo que ocurra entre bambalinas, cada una de sus imágenes son verdaderos ejemplos de estados de ánimo imprecisos pero lúcidos, insinuaciones visuales que despiertan en el espíritu toda la hueste de sentimientos que nos han proporcionado el Romanticismo y que hacen que las cosas sean bellas sin saber por qué.

¡¡Feliz Navidad Bloggeros!!!

Producción propia.

2009-12-20T13:25:00.001-08:00

Se hace lo que se puede:

(ya se pueden dejar comentarios en el blog)

"The Americans"

2009-12-18T14:00:00.000-08:00

Retratar a un pueblo siempre genera desconfianza: el resultado puede ser un álbum demasiado familiar e incómodo que enseñar a las visitas. Robert Frank fue el encargado de confeccionar este álbum con su libro “The Americans”, un polémico espejo frente al rostro de la América de los años 50.

¿Qué define a un pueblo? R. Frank retrata a los americanos desde una cotidianidad sórdida que contrasta con la utopía del sueño americano. Su fotografía es la historia de un viaje y por lo tanto la búsqueda de cierto desarraigo desde el que realizar fotografías beat llenas de ironía y distanciamiento, algunas mal enfocada o mal encuadradas y no accidentalmente (Frank seleccionó cerca de 80 fotos de más de 20000) ya que para plasmar una realidad mediocre el fotógrafo tiene que realizar fotografías puras, exentas de cualquier formalismo que se agote en sí mismo.

Como dice el propio Frank: “La fotografía debe contener el humanismo del momento. Esta fotografía es realista. Pero el realismo no es suficiente, tiene que existir una visión, y estos dos elementos pueden hacer una buena fotografía”

Annie Leibovitz

2009-12-07T15:39:00.000-08:00

Annie Leibovitz es la fotógrafa más famosa del mundo. Sus fotos son un certificado de fama del retratado. Nadie se escapa a su cámara. Hasta Isabel II de Inglaterra tuvo que claudicar y ser retratada de forma impresionante por la misma fotógrafa que nos enseñó el embarazo de Demi Moore, el rostro azul de los Blues Brothers y el tan salmodiado desenfreno autodestructivo que practicaban los Rolling Stone entre bambalinas.

Annie Leibovitz son dos fotógrafas: por un lado, la fotógrafa de reportaje para la revista Rolling Stone armada con su cámara de 35 mm y deudora de Cartier Bresson y Robert Frank, al acecho del instante decisivo. Por otro, es la fotógrafa de las portadas, más cercana a Richard Avedon, en la que la fotografía adopta la aparatosidad técnica del cine, donde el segundo que captará la cámara es pacientemente esculpido para mostrar una imagen en la que el fotografiado es un universo propio cuyo alma no es tanto una facultad interna sino un estado de cosas que la rodea.

De todas la fotos de Annie Leibvowitz la más famosa es la que hizo a Yoko Ono y John Lennon horas antes de que este fuera asesinado. En ella el amor se resume es una imagen que manifiesta la esencia de este sentimiento tan manido: la redención de nuestra propia individualidad en la fusión con el otro.

Toda su obra esta llena de imaginación, de sentido del humor, de ingenio y ternura, de juego y de sensualidad, de esa extraña virtud que tienen los niños al mirar el mundo y que consiste en mejorar lo que vemos cuando lo observamos.

Sebastião Salgado

2009-11-23T10:29:00.000-08:00

Sebastião Salgado sigue siendo fiel al blanco y negro según la creencia de que el mundo es un dilema maniqueo en el que la pobreza y el sufrimiento exigen una tonalidad propia. El mundo, como las fotos de Salgado, es un escenario contrastado en el que el fotógrafo toma nota de los efectos de un sistema económico especializado en producir miseria. Salgado, que conoce la teoría (es doctor en economía), fotografía la práctica de esta teoría con una belleza casi melodramática. Así, cada una de sus fotos tiene el doble sentido de ser tanto una obra de arte como un potentísimo documento de denuncia.

Cabe preguntarse hasta que punto estos dos elementos son compatibles sin acusar al fotógrafo de frivolidad. Recordemos el reproche de Susan Sontag: “Una foto puede ser terrible y bella. Otra cuestión: si puede ser verdadera y bella. Este es el principal reproche a las fotografías de Sebastião Salgado. Porque la gente, cuando ve una de esas fotos, tan sumamente bellas, sospecha.”

La crítica de Sontag a Salgado me recuerda a algo de El Nacimiento de la Tragedia: ¿Hasta que punto lo trágico puede ser captado con una formalidad estética impecable sin caer en la falacia?¿La verdad y la apariencia pueden coexistir en todo arte que se considere auténtico?

A pesar de las críticas de Sontag no hay que olvidar que la belleza no solo tiene un componente estético sino también cognitivo: aporta significatividad y sentido, y por lo tanto trascendencia a un mundo que es en esencia prosaico. Puede que el verdadero delito sea hacer de la pobreza un tema que cause aburrimiento y no asombro como así consigue Salgao toma tras toma.

The Family of Man

2009-11-15T09:03:00.000-08:00

No solo la fotografía es una forma de expresión artística. También una exposición de fotografía puede serlo. El ejemplo más claro lo encontramos en la exposición que Edward Steichen organizó en 1955 en el MoMA de Nueva York bajo el título “The Family of Man”. Con 503 fotografías de fotógrafos profesionales y aficionados Steichen se propuso el objetivo de crear una guía visual que sirviera de apoyo para responder a la pregunta sobre la esencia de lo que llamamos humanidad, un relato fotográfico organizado en una larga cadena de sustantivos que definiera lo humano. Así el amor, el nacimiento, la alegría, el cansancio, la soledad, el trabajo, la enfermedad, la familia, la música, la educación, la religión, la protesta, la indignación, la destrucción, el juego, etc forman pequeños grupos de fotos, unos enlazados con otros, que ilustran el peculiar carácter plástico de nuestra especie.

La exhibición tuvo un doble resultado: por un lado, aunque con materiales prestados, Steichen mostró su talento en la selección para construir una narración original sobre el hombre en la que convergen el humanismo visual de los mejores fotógrafos del XIX y del XX. Por otro, supuso la presentación en sociedad de la fotografía como un medio de expresión plenamente maduro, una forma de arte autónoma y completa a la que nada de lo humano le es ajeno.

Este relato colgado de las paredes nos muestra que el todo es más que la mera suma de las partes, que la exposición es un hecho unitario, un acontecimiento estético que nos puede ofrecer un sentido nuevo, una perspectiva global e imaginativa que no aparece en los elementos que la componen. La originalidad y singularidad de la muestra (9 millones de visitantes y 4 millones de ejemplares del catálogo vendidos) fue reconocida en los años 90 por la UNESCO al incluirla en el Registro de la Memoria de la Humanidad.

Actualmente la exposición tiene su sede permanente en el Château de Clervaux. Se puede realizar una visita virtual en http://www.family-of-man.public.lu/visite-virtuelle/index.html.

Una oportunidad para pensar en imágenes sobre el hombre

National Geographic

2009-11-05T12:07:00.000-08:00

Pasamos de la elegante, comprometida y personalísima Magnum, a la colorida y “vulgar” National Geographic. Para muchos probablemente las fotos y los reportajes de National Geographic representan una estética sensacionalista auspiciada por la máxima “cuanto más color mejor”, “cuanto más espectacular mejor”. Así, en los reportajes de NG el mundo sigue siendo un parque temático poblado de leones hambrientos y culturas pintorescas que un lector inmaduro e infantil admira embobado pasando página tras página en la consulta del dentista. El aspecto poco vanguardista de National Geographic queda resumido en uno de los diálogos entre Clint Eastwood y Meryl Streep que aparecen en Los Puentes de Madison:

- Habla como un artista.
- Bueno, yo no diría eso. A National Geographic le gustan las fotos con un buen encuadre y que no tengan un toque muy personal.

Supongo que el gran pecado de National Geographic es el de ofrecernos fotos que son simplemente bellas y nada más. Una época saturada de poéticas no admite el discurso simple y amable de lo bonito. La inocencia estética es sustituida por el exceso de sofisticación y de verborrea académica. Y es que algunas de las fotos de National Geographic nos devuelve al deleite voluptuoso y puramente lúdico en el que la vista se recrea sin más, en el que el placer estético se acerca al goce físico. La belleza no debe resultar sospechosa cuando es fácilmente accesible.

Cornell Capa

2009-10-29T10:53:00.000-07:00

El apellido Capa implica una trinidad de fotógrafos que ha quedado un poco en segundo plano por el recuerdo de Robert: Gerda Tardo y Cornell Capa, su novia y su hermano, son tambíen partícipes y no herederos de una concepción en la que la fotografía está muy pegada a la realidad.

Aunque Cornell Capa tomó prestado parte del pseudónimo de su hermano, su talento fotográfico es genuino e indiscutible en esa linea común de los denominados "fotógrafos comprometidos". Retratista de un Kennedy mesiánico, de Marilyn descansando dulcemente ante la igualmente dulce mirada de Clark Gable , de una América Latina poco fotogénica, Cornell Capa nos mostro su versión del imperecedero tema de lo humano con una expresividad visual impecable.

También abarcó el lado más institucional de la fotografía fundando el Internacional Center of Photography (IPC, http://www.icp.org/)

William Eugene Smith

2009-10-20T08:42:00.000-07:00

Las fotos de William Eugene Smith plasman la humanidad y el sufrimiento de un modo inquietantemente apolíneo. Si en muchos casos el fotoperiodismo implica el disparo de la cámara con más o menos fortuna, en el caso de W. Eugene Smith cada toma incluye una breve reflexión sobre el modo en el que el propio lenguaje fotográfico tiene que plasmar la escena.

El resultado es tan sobrecogedor que da la impresión que el sufrimiento, la pobreza, el cansancio, la guerra, y la soledad posan para la cámara. Si tenemos que reflejar la realidad tal como es, hay que hacerlo del mejor modo posible.

Sus fotos son testimonio pero también una esmerada obra de arte. La intensidad comunicativa de cada foto no puede ser mayor. Cada imagen se convierte en un icono.

Robert Capa: ligeramente desenfocado

2009-10-14T04:01:00.000-07:00

El titulo de estas "memorias" es sincero. Capa aparece ligeramente desenfocado. Más que un relato autobiográfico, en él Capa se vuelve a reinventar ofreciendo un perfil de sí mismo un tanto novelesco, quizá consciente que esa es la imagen que el público ha tenido siempre de él: una especie de Indiana Jones convertido en fotoperiodista, apátrida, seductor nato, cuya virtud no es la prudencia sino la capacidad de invocar la buena suerte en las situaciones más extremas, que sabe que en medio de la guerra una botella de bueno vino, brandy o champaña es un salvoconducto seguro para esquivar la impenetrable burocracia militar. Como nos dice su hermano Cornell Capa (también excelente fotógrafo de Magnum) Robert Capa desenfocó estas memorias quizá con el objetivo de convertir su peripecia en la Segunda Guerra Mundial en el punto de partida para un guión de cine. De momento van por la novela y en el futuro se espera la película.

El libro acierta al compaginar la lectura bastante animada de los relatos de Capa junto a sus fotografías más famosas de la II Guerra Mundial. Esta mezcla de narración visual y textual es necesaria para el fotógrafo húngaro: la guerra es una experiencia tan sumamente amplia que no solo hay que fotografiarla, también hay que contarla. Si detrás de sus fotos está la Historia también detrás de cada foto hay una historia. Si el lector de Life al ver las fotos de la toma de Sicilia solo sabe de su autor lo que cuenta un exiguo pie de foto, Capa se siente en la necesidad de decir quién es, de avisarnos que detrás de cada visor mira un ojo.

Buena compra.

Irving Penn

2009-10-13T07:16:00.000-07:00

Hoy me entero de que el miércoles pasado murió Irving Penn. Aquí van unas cuantas imágenes en memoria de lo que podríamos denominar un típico fotógrafo neoyorquino, es decir fotografía de moda un tanto surrealista como género artístico junto con un gusto exquisito en el retrato.

La nuit est una sorcière

2009-05-21T14:13:00.000-07:00

Las fotos de Brassai me recuerdan el título de un álbum de Sydney Bechet, La nuit est une sorcière. Este húngaro con nombre parisino es el fotógrafo del embrujo nocturno de París, de los cafés, de la belleza anónima y solitaria de las calles trasnochadas, de las prostitutas y travestidos, de las parejas que ejercitan su deseo sin pudor en besos premonitorios.

Si Doisenau es el fotógrafo del París apolíneo, de las niñeras, de los policías, de los trabajadores, del amour, Brassai retrataría su lado más dionisiaco en el que la luz es la excepción, lo que aporta relieve y profundidad a la foto, el adorno de un bellisimo monstruo negro de aspecto civilizado.

Edward Weston

2009-05-17T02:39:00.000-07:00

La fotografía de Edward Weston está planteada en clave aristotélica: todos los individuos están compuestos de materia y forma, y la labor del fotógrafo(-filósofo) es precisamente captar la forma. Para Weston la naturaleza es una suma de formas y texturas; sus desnudos conciben el cuerpo humano como una aglomeración accidental y armónica de formas. Con esta receta E.W. persigue el objetivo de casi todos los fotógrafos de la primera mitas del siglo XX: hacer de la fotografía un arte autónomo con un lenguaje estético propio.

Weston establece unas reglas del juego muy claras: la fotografía no es imitativa pero es realista, debe captar la realidad sin artificios teniendo en cuenta que el momento poiético surge de la elección del punto de vista. Así un retrete es un ser amable radiante de bondad que habita nuestros cuartos de baño, una caracola nos demuestra que la naturaleza es un reino aristocrático en el que todo es bello: pimientos, lechugas, coles, etc.

Nosotros mismos somos formas entre las formas.

Robert Doisneau

2009-05-12T14:24:00.000-07:00

Cada ciudad suele tener su daimon fotográfico ocultando con expectación su rostro tras la cámara. En el caso de París es sin duda Robert Doisneau. Suyo es el mérito de haber consagrado la imagen de París como una ciudad plagada de besos platónicos. Su metafamoso Beso enfrente del hotel de Ville convierte todos los besos dados en la historia en caricaturas que con más o menos fortuna reproducen la belleza, la sensualidad, el romanticismo y la juventud que Doisneau captó (ahora sabemos que un un posado sugerido).

Doisneau retrato un París de posguerra con buen corazón, es decir, mezclando algo de azar, ingenio y sensibilidad en cada uno de sus disparos, enseñándonos con sus fotos que la falta de indiferencia es el conjuro para que la realidad nos muestre todo su sentido en una fulguración pasajera. El punto de partida es siempre cierta bonhomía fotográfica, un humanismo visual que se esparce generosamente por las calles parisienses fotografiando niños, perros, miradas que delatan a su portador en un bar o en un escaparate, en resumen, cierto lirismo cálido que una vez más hace de la fotografía el arte de provocar la sonrisa ante lo asombrosamente asombroso.

Elliott Erwitt

2009-04-22T12:05:00.000-07:00

Que mejor que el propio Erwitt a propósito de su optimismo visual:”Uno de los resultados más importantes que se pueden conseguir con la fotografía es hacer reír. Si además se alterna la risa con las lágrimas como ha hecho Chaplin, se logra la conquista más importante. Yo no apunto forzosamente tan alto, pero reconozco que se trata del objetivo supremo”

Y efectivamente lo consiguió. El humanismo fotográfico de Erwitt condensa un talento que tiene la capacidad de ofrecernos series enteras de fotos conmovedoras. La fotografía de una pareja de enamorados bailando en la cocina hecha en Valencia en los años 50 nos descubre que es posible el milagro en lo cotidiano. Sus fotos de perros y niños nos invitan a tratar de cambiar el punto de vista para redescubrir que la realidad puede ser en si misma jovial.

Pero su optimismo no esta exento de lucidez. Erwitt nos muestra el sufrimiento sin sangre y el dolor sin agonía. La fotografía de unos lavabos racista tomada en Estados Unidos en 1950 nos sigue recordando de una forma insuperablemente elocuente parte de la condición humana.

Elliott Erwitt asume la idea bressoniana de que fotografiar es poner en el mismo punto de mira la cabeza, el ojo y el corazón. Erwitt ha puesto mucho, mucho corazón lleno de risas y de lágrimas.

Richard Avedon

2009-04-19T03:34:00.000-07:00

Avedon si duda es el gran maestro. Alcanzó la perfección en todos los temas a los que apuntó su cámara. Avedon comprendió a la perfección el mecanismo expresivo de la fotografía, se lo apropió y lo reinventó ofreciéndonos un lenguaje visual personalísimo y reconocible que hace que su obra sea (perdón por la repetición) perfecta.

Como fotógrafo de moda Avedon supo transformar un género relativamente convencional en una forma absolutamente libre y personal de expresión en la que la elegancia y la fantasía van por caminos paralelos.

Los retratos probablemente son los mejores del siglo XX ( lo que equivale a decir de toda la historia de la fotografía). Avedon sabe reconocer y captar el “kairos” visual en el que lo interior sale al exterior. El ejemplo más claro es la foto de Marilyn con la mirada distraída (cansada de su propia belleza), en la que podemos adivinar algo de su drama interior.

Su visión del oeste americano en la que nos muestra a vaqueros, granjeros, prostitutas, es de una fuerza visual muy grande. Sobre un fondo blanco Avedon potencia el significado que guarda la realidad misma . Sus personajes mirando directamente a la cámara son expresivos por sí mismos. Parece que su alma no es otra cosa que su mirada, sus posturas, sus gestos y su ropa.

Diane Arbus

2009-04-10T02:59:00.001-07:00

El mal existe y Arbus es su fotógrafa. Tratemos de entender por “mal” no tanto un concepto moral, sino una posibilidad metafísica, una poética basada en la disonancia. “Quiero fotografiar lo que es maligno”: este es el principio de un canon estético alternativo que gira entorno a lo monstruoso. Así la fotografía posibilita que lo feo se convierta en objeto de contemplación.

La fotografía de Arbus nos sitúa en el centro del interrogante que siempre plantea lo freak: rechazo y curiosidad, el sentimiento acentuado de una humanidad provocado precisamente por lo no humano. La cámara de Arbus mira directamente a los ojos del fotografiado buscando retratar lo disforme y la extrañeza con una franqueza expresiva que incomodó en su época, y sigue incomodando (puede que por el hecho de que su fotografía posibilita el voyeurismo sin temor entorno a lo monstruoso y eso, claro está, crea mala conciencia).

En su obra no podemos hablar en clave agustiniana de una ausencia de bien o de belleza. Esa belleza existe y nos atrae pero no podemos comprender por qué.

Man Ray

2009-04-09T02:24:00.000-07:00

Man Ray superó con su arte fotográfico una dificultad que parece obvia si relacionamos surrealismo y fotografía: un medio esencialmente realista y aparentemente plano como es la fotografía tiene que ser una puerta de entrada al universo onírico y desobjetivante del credo surrealista. Ray percibió claramente este problema hasta tal punto que en su rayogramas expresaba la necesidad de una fotografía sin cámara: son los objetos, la realidad misma los que tiene que ser revelados directamente sobre el papel fotográfico. El resultado es el descubrimiento de una capa de sentido en lo cotidiano en la que los objetos son y no son al mismo tiempo.

Ray también aplico este proceso de revelado de la realidad misma con la técnica de la solarización: la luz se convierte en un elemento ambiguo. Sigue siendo ese mensajero medieval de la verdad pero mediante una tonalidad invertida que en el caso de los desnudos sirve para acentuar cierto carácter laberíntico de la sexualidad.

Por último, Ray optó por el juego freudiano de la libre asociación: una espalda que parece un violonchelo nos advierte que las cosas son lo que parecen. El significado no queda parcelizado; participa en un juego de referencias constantes.

A.A

2009-04-07T07:59:00.000-07:00

Las fotografías de Ansel Adams suponen una reflexión visual sobre el paisaje dentro de la más pura “tradición” de la modernidad estética. La técnica fotográfica –el sistema de zonas- lleva a que el fotógrafo no se sitúe pasivamente frente a su motivo. En las tres fases de producción de la foto, el disparo, el negativo y la copia, el fotógrafo interviene activamente como un maestro de la exposición que permite que, por fin, la fotografía de paisaje supere el paradigma mimético. Curiosamente el resultado es una transposición fotográfica de la estética romántica al más puro estilo Caspar David F. Así Adams asciende paso a paso por los estratos estéticos de la modernidad, reproduciendo la dicotomía moderna entre lo bello y lo sublime, lo pequeño y lo grande, lo tierno y lo apabullante, la sutil gradación de grises en la cara de una hoja frente a un majestuoso contraste en los riscos de Yosemite.

A pesar de las objeciones de Cartier Bresson - “El mundo se está destruyendo y todo lo que Adams y Weston fotografían es piedras y árboles”- la obra de Adams han supuesto una schilleriana educación de la sensibilidad que ha hecho del paisaje un pilar fundamental del imaginario cultural y emotivo de EE.UU: sus fotos sirvieron como desencadenante de una conciencia ciudadana sobre el valor del paisaje que llevó a la creación de la famosa red de parques nacionales de Estado Unidos.

Hyeres

2009-02-18T14:04:00.000-08:00

La foto representa la estructura esencial de la poética fotográfica de Bresson: formalismo con una pizca de ternura. Estos dos elementos parece que se excluyen por definición de cualquier poética pero esta foto es un buen ejemplo de dos estéticas bien diferentes: por un lado el formalismo que proviene de una composición perfecta casi cartesiana, en la que los barrotes de la barandillas, las líneas de los peldaños, el bordillo de la acera en curva, forman un torbellino de lineas en el centro. Por otro, la aparición de una imagen -el ciclista, algo humano en definitiva- ajena a este contexto formal y que proporciona a la imagen un contraste conceptual claro.

Y los mas curioso es que es el azar lo que une estos dos universos poéticos. Es el famoso instante decisivo de Bresson lo que humaniza su fotografía. La premeditación del fotógrafo queda atenuada. Su función activa pasa a un segundo plano o más bien se complementa con alguna oscura ley del cosmos que ha dictaminado que por allí tendría que pasar un ciclista.

Al volver de la caverna:

2009-01-26T14:01:00.001-08:00

Platón cuenta en la Républica como el prisionero libre de sus cadenas abandona su régimen de sombras y conoce la verdadera realidad. Sabemos que es un viaje de ida y vuelta, de compromiso: el hombre libre que vuelve a la oscuridad nos tendrá que contar una historia de lo que ha visto. ¿Cómo lo hará? ¿Tendrá que recurrir al tabú de las imágenes para poder hablarnos de lo que ha visto? ¿Dibujara en el arenoso suelo de la caverna formas imprecisas no muy diferentes de las que sus compañeros contemplan en la pared? ¿Tendrá que recurrir de nuevo al mito?¿Como hablar de la verdad sin el arte de la aproximación? ¿Como renunciar a las imágenes?

La fotografía es en esencia antiplatónica. La camara fotográfica es una caverna platónica portable y en miniatura. El fotografo es un sofista empeñado en difundir el error en 35 mm. Utiliza una singular epistemología en la que lo particular -la perspectiva- tiene algo de la obcecación y la perseverancia del concepto.

Y la imagen comparte con el concepto la voluntad de decir la realidad, de nombrarla desde su propio lenguaje.

Bienvenidos